La asignatura dentro del itinerario

El cuarto año de carrera, dentro del itinerario de Proyectos transdisciplinares, se articula en dos semestre muy diferentes. El primero tiene una importante carga discursiva y, por lo tanto, ejerce más “presión ambiental” sobre los proyectos personales del alumnado, mientras que el segundo, consagrado a la elaboración de Trabajo de Fin de grado, no tiene contenidos específicos y les brinda tiempo para el desarrollo tutelado de su proyecto dentro de sus propios parámetros.

James Wood & Paul Harrison.

El primer semestre del cuarto año se consagra a la cultura visual y las practicas colaborativas. No obstante, la mitad de la asignatura de Creación artística III se encuentra atravesada, por el módulo de proyectos. Es decir, en esta asignatura, el primer y principal “ejercicio” será la continuación y maduración del proyecto de creación autónoma iniciado los dos cursos anteriores. Aunque también su adaptación y contextualización en un marco concreto.

Si los proyectos de Introducción a la creación se gestaron sobre una base más formal y material, los de Creación I tuvieron que evolucionar por los espacios de la imagen y la representación y los de Creación II por los de la performatividad, los proyectos de Creación III deberán atravesar ahora el territorio de la cultura visual y las prácticas colaborativas, que le planteará al alumnado un primer ejercicio genérico: ubicar su trabajo de creación en el contexto de la cultura visual digital y en diálogo con las prácticas y estrategias de creación contextuales.
Eso no quiere decir que los proyectos deban derivar hacia la producción obligatoria de obra digital, en red o –pongamos por caso– de naturaleza activista. Antes al contrario, el posicionamiento ante estas practicas o tendencias puede perfectamente ser escéptico, crítico e incluso renuente. Podrán mostrarse reticentes a asumir sus presupuestos o dinámicas, pero no podrán de ninguna manera ignorarlos. En este curso se expondrán las razones por las cuales creemos que la influencia de Cultura visual digital y las practicas contextuales y colaborativas en la creación artística actual podrá ser discutida y criticada, pero en modo alguno desdeñada, en la medida en que se ha convertido en uno de los principales frentes de ruptura con el modernismo y, en consecuencia, con la tradición en la que se ha venido enmarcando la comprensión del fenómeno artístico desde hace casi dos siglos. En consecuencia, se le solicitará al alumnado que sea capaz, en primer lugar, de comprender este nuevo espacio de creación y sus implicaciones y, en segundo lugar, de posicionarse consciente, crítica y discursivamente respecto al mismo, más o menos cerca, según el caso, de su centro de gravedad. Su obra debe notar esta «presión ambiental».

Si quieren disponer de una cartografía básica del territorio de la Cultura visual digital y de un conocimiento aproximado del grado de integración de su obra en él, pueden realizar este pequeño cuestionario.

Este ejercicio consistirá en coadyuvar a crear un espacio físico (donde concretar el proceso de enseñanza-aprendizaje de la asignatura) e institucional (una metodología docente). En pocas palabras, el primer reto concreto al que nos enfrentamos será el de inventar la clase. No tiene sentido abordar el problema de la critica institucional y las prácticas instituyentes si este no afecta de algún modo a la propia dinámica en la que se plantea. Esto obviamente, nos enfrenta a la jugosa tarea de des/montar académicamente un proyecto académico.

Marcel Broodthaers, Museum of Modern Art department of eagles, Section XIX Century , Brussels, 1968/1969.

Nos plantearemos como ejercicio crear dinámicas docentes, otro modo de enseñar para otro modo de crear, pero también, y en paralelo, crear un espacio físico donde hacerlo. Habría, en primer lugar, que crear un espacio donde estar –desde la conciencia de la ineficacia psicogeográfica de la facultad (un ejemplo palmario de la arquitectura neomoderna de espectáculo)–. Con un referente tan abstracto y, al mismo tiempo, tan local y cercano como el mismo edificio en el que trabajamos, plantearemos el problema de la reunificación de arte, arquitectura y diseño bajo las inercias del despotismo modernista. Debemos crear un lugar de acción e investigación. Físicamente, en la medida de nuestras posibilidades, y conceptualmente, en la medida de nuestras capacidades, pero también virtualmente, con ayuda de las herramientas 3D que utilizarán paralelamente en el Taller de técnicas y tecnologías IV.

Gordon Matta-Clark, Tree Dance, primavera de 1971 en el Vassar College.

Posiblemente tengamos que traer sofás y alfombras, pero también que diseñar mobiliario que eventualmente no podamos realizar (una suerte de diseño constructivista utópico). Lo que con toda probabilidad no podamos llevar a cabo -aunque sí se les pedirá que conciban- será una estructura para ocupar y habitar los 8 metros de altura de nuestra clase (estructura que, obviamente, habrá que diseñar con herramientas 3D).

(4a) Deberán realizar un comisariado virtual que plantee una hipótesis curatorial para la sala Desubicada o una genealogía para su propio trabajo de creación incluyendo obras más y menos canónicas de la historia del arte, e imágenes ajenas a este paradigma y a su acervo patrimonial y cercanas a la cultura material y visual, además de relaciones diacrónicas entre ellas. Este comisariado virtual deberá cobrar la forma de una autoedición –física o digital-, estar conceptualmente argumentado y articulado en torno a un relato interno y evitar convertirse en una mera acumulación de referentes escolares. Se trata de realizar una genealogía personal que coadyuve a la trazabilidad de nuestro trabajo, o bien un twine visual, interactivo o no.

Marcel Broodthaers, La Conquête de l’espace, Atlas à l’usage des artistes et des militaires.

También valdría una autoedición física o electrónica de un trabajo de “investigación artística” que desarrolle un relato visual que, a diferencia de la versión anterior, no plantee una genealogía de prestigio arraigada en la tradición institucional del arte y sí más bien una constelación intertextual de imágenes, textos y documentos, eventualmente sincrónicos (aunque lo ideal sería una mezcla de ambos) que genere un conjunto de ecos y reverberaciones que expandan y amplifiquen los proyectos y su interés.

Walter Benjamin en la Bibliothèque Nationale, Paris, 1937.

En todo caso, ambos relatos tendrán que ser susceptibles de ser no solo recorridos visualmente sino narrados oralmente e implicar una orientación con sentido dentro del espacio institucional de arte contemporáneo, evitando convertirse en un mero statement de porfolio profesional.
Uno de los objetivos centrales del curso es la elaboración de ese relato (4b) que nos permita interpretar su trabajo en un horizonte expandido pero que, además, resulte pregnante, claro -aunque no necesariamente lineal- y fácilmente reproducible -en virtud de su carácter nemotécnico- tanto en contextos académicos como no académicos.

Consiste en concebir, desarrollar y presentar, de manera individual o grupal, un proyecto a una convocatoria competitiva –o bien abrir alguna vía de financiación pública–, que encaje dentro de alguno de los escenarios para la nueva economía del exceso planteados en el bloque temático que denominamos “Canarias·Caníbal” (arte político y de contexto, arte relacional o interactivo, nuevas institucionalidades, ciudadanía participativa, mapeados críticos y cartografías cognitivas, nuevas pedagogías, inteligencias colectivas, etc.).
Si este proyecto implica el desarrollo de algún elemento material resultará fundamental el uso de técnicas de diseño 3D.
Todas las alumnas y alumnos deberán acabar el curso con –como mínimo– un proyecto artístico viable y pertinente, susceptible de encontrar financiación o apoyo a su producción.

Consiste en concebir y desarrollar un proyecto de diseño+arte, en 3D, también pertinente, factible y financiable, en el marco del replanteamiento de la funcionalidad del arte y en una línea de reintegración de sus disciplinas, inspirada, por expresarlo de algún modo, en el espíritu de la Bauhaus. Este ejercicio se desarrollará en estrecha colaboración con el Taller de técnicas y tecnologías IV y nos introducirá en la dinámica del diseño de producto. Replanteará los compromisos heterónomos del arte, y sus relaciones con la escultura social, la industria o el diseño, la ergonomía o la moda…

Ejemplos